La Deshumanización
Abstracción geométrica (Neoplasticismo, arteop, cinético y mínimo)
Prolongación del cubismo, lo abstracto tiene muchos significados “abstraer es considerar en una cosa un solo atributo”. Algunos artistas no están de acuerdo con este término por lo que se le ha denominado:
- Arte no figurativo: no figura ningún objeto real.
- Arte no representativo: no representa nada de lo que se conoce.
- Arte concreto: inventado por Van Doesburg, adoptado por muchos para insinuar que concretiza las imágenes que siente y piensa el hombre.
- Arte absoluto: independiente y sin referencia a la naturaleza y por basarse en sus propias leyes.
Significados
- Algunos: Aquella que no pretende aludir a la realidad, ni siquiera a lo que recuerde la realidad
- Otros: Pintura abstracta, es la reminiscencia de algo que han visto o vivido.
- Pintor: Trasmutar formas naturales en formas pictóricas, ósea, dar independencia a la línea, al color y al ritmo, para que se constituyan nuevas combinaciones entre sí.
- Arte no figurativo: no figura ningún objeto real.
- Arte no representativo: no representa nada de lo que se conoce.
- Arte concreto: inventado por Van Doesburg, adoptado por muchos para insinuar que concretiza las imágenes que siente y piensa el hombre.
- Arte absoluto: independiente y sin referencia a la naturaleza y por basarse en sus propias leyes.
Significados
- Algunos: Aquella que no pretende aludir a la realidad, ni siquiera a lo que recuerde la realidad
- Otros: Pintura abstracta, es la reminiscencia de algo que han visto o vivido.
- Pintor: Trasmutar formas naturales en formas pictóricas, ósea, dar independencia a la línea, al color y al ritmo, para que se constituyan nuevas combinaciones entre sí.
Expresionismo Abstracto
Años 30-40. Nueva York se convirtió en el nuevo centro artístico mundial, sustituyendo a Paris, ya que debido al nazismo y el fascismo, muchos artistas se trasladaron de Europa a Estados Unidos, donde se encontraban estimulantes centros de investigación, como la New School de Nueva York, el Black Mountain College de Carolina del Norte y el New Bauhaus de Chicago.
Federal Art Project (1935-1943) Apoyaron a los artistas y les encargaron pintar murales en todas las ciudades. En enero de 1937 American Abstract Artist buscaba: unidad de todos los artistas estadounidenses, exposición de sus trabajos, educación del público e interdisciplinaridad.
Es una prolongación del expresionismo figurativo, surge después de la Segunda Guerra Mundial en EE.UU. En nueva York (Escuela de Nueva York).
Estaba inspirado en el nuevo contacto con Japón y el budismo Zen: El viaje es más importante que la llegada, en la belleza de lo oriental, seguían el principio según lo espontáneo de su ejecución.
Una manera espontánea e improvisada de pintar hay libertad de acción creativa, eliminando el objeto, “lo divino está en el ser humano”.
Federal Art Project (1935-1943) Apoyaron a los artistas y les encargaron pintar murales en todas las ciudades. En enero de 1937 American Abstract Artist buscaba: unidad de todos los artistas estadounidenses, exposición de sus trabajos, educación del público e interdisciplinaridad.
Es una prolongación del expresionismo figurativo, surge después de la Segunda Guerra Mundial en EE.UU. En nueva York (Escuela de Nueva York).
Estaba inspirado en el nuevo contacto con Japón y el budismo Zen: El viaje es más importante que la llegada, en la belleza de lo oriental, seguían el principio según lo espontáneo de su ejecución.
Una manera espontánea e improvisada de pintar hay libertad de acción creativa, eliminando el objeto, “lo divino está en el ser humano”.
Ahora el pincel debe “pintar solo”, el arte debe basarse en el azar controlado, es una invitación a soñar, a poner en marcha la libertad y la imaginación. La realidad objetiva era el punto de partida para la realización de la obra, en la que se quería plasmar los sentimientos.
La aparición de los microscopios y telescopios cambió la forma de pensar de muchos artistas, ya que ofrecían un mundo de formas que superan la más exuberante fantasía. Además la aviación, navegación submarina y los viajes espaciales influyeron en la creación de las nuevas obras.
Las técnicas de la fotografía, televisión, vídeo y cinematografía generaron diferentes puntos de vista entre los artistas, pero la naturaleza siempre fue la principal inspiración para el expresionismo abstracto. Querían expresar por medio de colores, líneas, formas y ritmo.
“El arte abstracto no es una exclusividad de nuestro siglo ni mucho menos de nuestra civilización occidental”. Generalmente el tamaño para realizar las obras es mayor, grande porque el artista tiene mayor libertad.
La producción expresionista abstracta evoluciona en dos ramales paralelos:
a) Parte del trazo lineal, el signo.
b) Parte de la estética de la mancha del color.
La aparición de los microscopios y telescopios cambió la forma de pensar de muchos artistas, ya que ofrecían un mundo de formas que superan la más exuberante fantasía. Además la aviación, navegación submarina y los viajes espaciales influyeron en la creación de las nuevas obras.
Las técnicas de la fotografía, televisión, vídeo y cinematografía generaron diferentes puntos de vista entre los artistas, pero la naturaleza siempre fue la principal inspiración para el expresionismo abstracto. Querían expresar por medio de colores, líneas, formas y ritmo.
“El arte abstracto no es una exclusividad de nuestro siglo ni mucho menos de nuestra civilización occidental”. Generalmente el tamaño para realizar las obras es mayor, grande porque el artista tiene mayor libertad.
La producción expresionista abstracta evoluciona en dos ramales paralelos:
a) Parte del trazo lineal, el signo.
b) Parte de la estética de la mancha del color.
El expresionismo abstracto, el tachismo, el informalismo y la action painting
Lo abstracto suele tomarse como arte de un comienzo nuevo, en este caso después de la guerra comenzó la era artística, por lo que se redefinió el concepto de arte. Las personas estaban muy escépticas frente a este tema, pues nadie creía que un pincel podría revolucionar el mundo.
Barnett Newman recuerda que en 1941 pensaba “el mundo se acerca a su fin. Pero con ello la pintura también perdió su significado y legitimación. Era imposible seguir pintando flores, figuras y personas. La cuestión que se planteaba era qué se podía hacer”.
Los artistas buscaban formas de expresión individuales, por lo que se generaron estilos y movimientos desconcertantes. Los pintores abstractos franceses Geoger Mathieu y Wols habían desarrollado, partiendo del automatismo psíquico surrealista, un estilo de escritura incontrolada que denominaron “tachismo” (término derivado del francés tache, mancha).
Los pintores alemanes Willy Baumestier, Ernst Wilhelm Nay, Karl Otto Götz y K.R.H. Sonderbog adaptaron este estilo a su propia forma de pintar. El arte abstracto alemán de esta época se incluye en el concepto (francés) de “informal” en el sentido de “sin forma (que reproducir)”.
Se deja de lado el canon que especificaba de qué manera se tenía que concebir el arte, la libertad del artista generaba que muchas personas no comprendieran sus obras, ya que no se plasmaban aspectos cotidianos. “Ya no se ‘leía’ algo de un cuadro, sino que había que ‘meterse en el’, lo cual requiere fantasía, concentración, reflexión, y autognosis.”
Jackson Pollock dio a sus espectadores el siguiente consejo: “Deben intentar asimilar lo que el cuadro les ofrece y no traer a la mente un contenido principal y una opinión tomada de antemano y buscar su confirmación en el cuadro”.
Fue un crítico el encargado de denominar pintura de acción o action painting a lo que realizaba Pollock con sus obras, él extendía sus lienzos sobre el suelo, dejaba chorrear pintura de grandes pinceles y latas agujereadas o arrojaba con salvajes movimientos la pintura como si fuera un pequeño derviche o corría por encima de sus lienzos.
Pintar era una acción, una ceremonia real, aunque a menudo un estado de éxtasis y de trance. “Mediante este tipo de contemplación creativa, el cuadro siempre permanece forzosamente actual y contemporáneo puesto que se crea justo en el momento en el que el espectador lo contempla”. El cuadro se convierte en un objeto que hace parte del mundo que nos rodea.
Barnett Newman recuerda que en 1941 pensaba “el mundo se acerca a su fin. Pero con ello la pintura también perdió su significado y legitimación. Era imposible seguir pintando flores, figuras y personas. La cuestión que se planteaba era qué se podía hacer”.
Los artistas buscaban formas de expresión individuales, por lo que se generaron estilos y movimientos desconcertantes. Los pintores abstractos franceses Geoger Mathieu y Wols habían desarrollado, partiendo del automatismo psíquico surrealista, un estilo de escritura incontrolada que denominaron “tachismo” (término derivado del francés tache, mancha).
Los pintores alemanes Willy Baumestier, Ernst Wilhelm Nay, Karl Otto Götz y K.R.H. Sonderbog adaptaron este estilo a su propia forma de pintar. El arte abstracto alemán de esta época se incluye en el concepto (francés) de “informal” en el sentido de “sin forma (que reproducir)”.
Se deja de lado el canon que especificaba de qué manera se tenía que concebir el arte, la libertad del artista generaba que muchas personas no comprendieran sus obras, ya que no se plasmaban aspectos cotidianos. “Ya no se ‘leía’ algo de un cuadro, sino que había que ‘meterse en el’, lo cual requiere fantasía, concentración, reflexión, y autognosis.”
Jackson Pollock dio a sus espectadores el siguiente consejo: “Deben intentar asimilar lo que el cuadro les ofrece y no traer a la mente un contenido principal y una opinión tomada de antemano y buscar su confirmación en el cuadro”.
Fue un crítico el encargado de denominar pintura de acción o action painting a lo que realizaba Pollock con sus obras, él extendía sus lienzos sobre el suelo, dejaba chorrear pintura de grandes pinceles y latas agujereadas o arrojaba con salvajes movimientos la pintura como si fuera un pequeño derviche o corría por encima de sus lienzos.
Pintar era una acción, una ceremonia real, aunque a menudo un estado de éxtasis y de trance. “Mediante este tipo de contemplación creativa, el cuadro siempre permanece forzosamente actual y contemporáneo puesto que se crea justo en el momento en el que el espectador lo contempla”. El cuadro se convierte en un objeto que hace parte del mundo que nos rodea.